Saturday, May 26, 2012

Historia de la movida nocturna Otaku en Buenos Aires

Algo que siempre se barajó en el mundillo otaku Argentino fue la idea de tener un boliche donde pudiéramos escuchar y bailar canciones de anime o artistas japoneses, poder tener una barra de bebidas alcohólicas y un clima electropop donde suenen temas gloriosos como los de Macross Plus o bailar al ritmo de Two-Mix. Pero había un mito latente en esos días, que era bastante real: El otaku no salía de noche, no tomaba alcohol, no fumaba porro, no bailaba ni iba a boliches; básicamente era un inadaptado social al que jodían en la escuela los atléticos jugadores de balompié por usar remeras de Goku y sólo acercarse a una mujer cuando besaba la pantalla del canal codificado.
ABSTINENCIA: Los placeres mundanos eran mala palabra para el otaku.
Pero no todos éramos así, menos los que ya estábamos en plena adolescencia y queríamos salir al mundo, y había un enorme hueco que llenar, la cuestión era que el otaku debía salir a adueñarse de la noche y celebrar su cultura en vez de encerrarse en el tupper de la habitación a fapearse con Minmay.
Primero vamos a situarnos en una época, entre 1999 y 2001, no existían los llamados “eventos de anime”, teníamos una vez al año la gran Fantabaires, donde existía el cosplay, muchos stands comerciales, proyecciones, venía algún dibujante, autor o artista reconocido, etc. El resto del año habían tres grupos de gente que hacían proyecciones cada tanto que eran Ran, ROFCAnime y Animefest, éstas proyecciones eran como maratones que duraban desde las 12 o 1pm hasta las 7pm todos encerrados en un cine mirando anime cagandonos de risa, y todos contentos los otakus asistíamos para estar al tanto de las cosas nuevas que salían y ver de vez en cuando algún clásico o guiño a los que nos gustaba Robotech pese a ser super difamado y dilapidado entre los otakus por la entonces reinante revista Lazer. Eso eran las fiestas, la gente no iba disfrazada, el único stand era el del fansub que te vendía sus videos para que te lleves el anime fresco a casa.

En el año 2001, hubo un primer intento llamado Cyberia Night, en claro homenaje al boliche de la serie Serial experiments Lain. Lo recuerdo claramente, se hizo en un pub por san telmo que no recuerdo el nombre, si habíamos 40 personas era mucho pese a haber volanteado lo más posible. Me acuerdo que todos aportábamos llevando nuestros CD’s de anime (no existían los pendrives) para colaborar con el DJ, y así escuchamos música de nuestras series favoritas y jodimos toda la noche. No puedo creer que ya hayan pasado más de diez años de aquella vez. Lamentablemente debido a la poca convocatoria la fiesta fue la primera y la última, y pasaría más de un año hasta la próxima vez. También la gente de ANIMEFEST había incursionado en 2002 con los Animefest All night long, pero duró muy poco tristemente.

Entre 2001 y 2002, ocurrió algo que marcó un antes y un después, fue cuando explotó la sección de Manga y Anime del foro Alkon, conocido por ser más bien de gamers. Al poco tiempo se volvió el foro de otakus con más discusiones donde todos se reunían para reseñar series y por suepuesto, quejarse y trollear. Un grupo de amigos de ese foro, algunos de ellos fanas de la música electrónica Koreana y Japonesa armaron la fiesta otaku nocturna que cambió la movida otaku dándole un giro de 180°, así, en el año 2003 nacía ANIMEGA PARADE, y nada volvería a ser lo mismo.

Los cosplayers se animaban a la noche, las chicas perdían el pudor de a poco...

Luego de que el fin del 2001 y la llegada de la devaluación devastaran las importaciones y los precios se vayan a las nubes, las convenciones del estilo Fantabaires o la Obertobaires desaparecieron, para los fansubs también se puso difícil la situación, entonces la noche era la respuesta.
Primeramente en el boliche rollinga La Preciosa, luego pasó por la France, New York City, e incluso República Cromagnon, Animega se tenía que ir mudando porque se llenaba y no paraba de crecer, quedaba gente afuera, los Parraleños sonaban a pleno y se llenaba de cosplayers porque el primer premio era una Play2. Así y todo, las Animegas se hacían una vez cada varios meses, con suerte habían 3 en un año.

Obviamente debido al éxito de ANIMEGA, surgieron varios intentos fallidos e imitaciones, el entonces grupo Daicon (hoy Yamato) intentó innovar en la noche pero nunca logró alcanzar el éxito de Animega, quienes mientras tanto lanzaban su “mini-fiesta nocturna” llamada Synergy, donde apuntaban más a la movida oriental toda en vez de al anime, ahí pasaban K-pop a lo loco y películas japonesas, cabe destacar que sólo la gente de Kaze fansub (una de las mitades de Animega) era la que hacía esta fiesta, quienes también tenían un programa de radio (donde estuve varias veces de visita).
Las peleas envidiosas por internet por parte de los organizadores y sus respectivos lame-culos eran algo no muy distinto a los que arman hoy en día por Facebook, tal vez con menos cizaña que en aquél entonces, cuando el veneno hervía en el caldero.

A los pocos meses de la ANIMEGA en Cromañón, se antepone la tragedia causada por la negligencia del grupo Callejeros, 194 muertos, de repente el entonces gobernador Ibarra y el dueño del boliche Omar Chabán (también dueño del legendario Cemento) fueron estigmatizados como anticristos, ahí devino el cierre masivo de boliches.
De repente, pasó algo que nadie esperaba, mientras todos celebraban el fin de año un 31 de diciembre en 2004, el boliche república de Cromañón se incendió con 194 fatalidades durante un recital del grupo Callejeros. A partir de ese momento, todo cambió, la noche porteña perdió toda su magia e impunidad legal. Del mismo modo que cuando ocurre una fatalidad, es cuando la ley empieza a ponerse en vigencia, nunca antes para prevenir, sino siempre después de que ocurre.
Entonces, si antes ya era complicado lograr que un boliche se preste para una fiesta otaku, ahora que era ya difícil de por sí lograr que un boliche se mantenga abierto y el negocio sea redituable.

En 2006 nace el concepto Lazer Day & Night, una joda que duraba un día entero, era en el boliche La Preciosa, contaba con stands, shows y concursos. Ahí se gestaba uno de los puteríos más comunes del fandom animero de hoy en día, los concursos de cosplay arreglados, donde siempre ganaban los mismos una y otra vez. Se hicieron varias ediciones pero la joda duró poco más de un año y medio, ya que la ausencia total de dignidad y escrúpulos por parte de un sector de la organizacion se encargó de ir despacito con el serrucho cagándole el laburo a aquellos que le dieron una mano cuando no era nadie, lo que desembocó en un derrumbe de calidad y el proyecto Eventos de Ivrea se cierra, aunque la editorial tenía intenciones de aliarse con un productor muy fuerte de eventos de anime que tenía una importante sede en Brasil, a lo que Ivrea comete el error de enviar a la persona equivocada a que le tramite la sociedad, envian a un traidor, que obviamente se la queda toda para él. Pero como dice el narrador de Conan el Bárbaro: Esa es otra historia.

El nacimiento de Jigoku y la nueva ola de eventos nocturnos:
El año 2008 marca el nacimiento de la empresa que se encargó de rescatar los viejos conceptos y llevarlos a una cima que jamás había visto el público otaku Argento, nacía Jigoku Argentina, y presentaba un abanico de propuestas, entre ellas Jigoku Night Style, que se celebraba en el boliche The End del barrio porteño de Flores, donde luego de unos dos años aproximadamente de realizar la mayoría de sus eventos ahí, la productora se muda a un prometedor predio ubicado en pleno centro porteño, llegaba Jigoku entonces al centro cultural Buen Ayre.

La STREAM vino a llenar el hueco que nadie más pudo llenar.

Así, en Julio de 2010 la idea de Jigoku Night Style muta en un nuevo concepto más cerca a la idea de la tribu alterna que para en la plaza de la Bond Street, y así nació la STREAM Night Party, quien en tan sólo un año pasó de convocar apenas 500 a 2000 personas, algo que nunca alcanzó ningún evento animero nocturno, pero no todo era color de rosas, la Stream había nacido como un evento otaku y gamer pero el contenido se iba desvirtuando cada vez más, habían camisetas mojadas, mucho metal, punk y rock nacional, hacían que se parezca más al boliche @lternativ@ que algo otaku, de modo que a principios de 2011 nace TOKYO STYLE, una fiesta donde la premisa principal siempre es tener contenido japonés y animado, aunque por supuesto con un fuerte bloque ochentoso occidental que sin dudas es lo más agitado de la noche.

Alguna de la gente amiga que viene a las Stream, colegas de Animefest, amigos de la revista Komikku, Hitomi,
la familia Maebara, Bombón y la pandilla. También vemos el salón Imperial repleto hasta la manija.
La identidad tan poderosa que lograron alcanzar tanto la Stream como la Tokyo Style sólo pudieron ser superadas con su fusión, la semestral TOKYO STREAM, donde vivís lo mejor de ambas fiestas.
Entonces, para todos los pendejos que claman por un “cambio”, o que se quejan de que “siempre es lo mismo”, se mandan al muere solitos al decir esta clase de comentarios, ya que nunca fue lo mismo, todo estuvo mutando terriblemente durante éstos últimos diez años, los cambios ocurren según el contexto socio-cultural que vivimos en el  momento, de no haber ocurrido la tragedia de Cromagnon quizás Animega seguiría siendo la reina de la noche, y tal vez de no haber habido devaluación Fantabaires no hubiera desaparecido, capaz si el CEO de Yamato no fuera un tipo tan extremadamente garca y sinvergüenza la editorial Ivrea no hubiera desaparecido de Argentina, hay miles de hipótesis, pero todo converge en que gracias a Kami-sama hoy en día la noche otaku está en muy buena manos, si querés rock alterno y un toquecito de anime andá a la Stream, y si querés una fiesta Otaku con toques de electro-pop occidental venite a la Tokyo Style.

Una de las tantas veces en que han venido los amigos de Marito Kids a cubrir la joda.

LO QUE PASA EN LA STREAM... QUEDA EN LA STREAM!
Este fin de semana se celebró una Tokyo Stream, y algo que se venía barajando desde hacía tiempo era la idea de tener un artista internacional de renombre. El primero en comprobar que la movida otaku también arde de noche fue nada menos que Ricardo Silva, alias “El maestro”, quien hizo un repaso de éxitos, estrenó temas nuevos e interpretó clásicos que escuchamos por primera vez. Él es nada menos que el intérprete original de las versiones latinas de nuestros animes favoritos, Dragon Ball Z, Digimon 2, Super campeones, Robots Ninja, y muchos más! Casi 3000 personas asistieron a la fiesta, alcanzando así un nivel sin precedentes a la hora de convocar una fiesta otaku nocturna.

Ricardo Silva, una leyenda viviente del Anisong latino es el primer artista internacional de renombre
que se presenta en un evento otaku nocturno.
Mientras algunos adolescentes quieren intentar lo mismo copiando todo sin convocar ni 100 personas siquiera, lo que demuestra la ausencia absoluta de experiencia, conocimiento y sobredosis de envidia cochina, que tienen resultados patéticos como los del honguito, la hentai fest, awake, y algunos más recientes y más patéticos aún. ¿Por qué patéticos? Por la carencia absoluta de humildad y respeto para una cultura que lleva muchos años acá, porque ante todo huelen a ver si hay plata en el aire, y porque quieren cagar desde más alto que el culo, y eso siempre te embarra de mierda la espalda, nenito. Ante todo hay que anteponer el respeto al público antes de la gloria personal, y el respeto para con la gente que viene transpirando la camiseta cuando ellos ni siquiera sabían lo que es el anime

Están invitados a dejar sus comentarios, y si quieren meter algún bocadillo, anécdota de estos diez años, o lo que sea, aquí abajo, click en comentarios.
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Próximo episodio: Las bandas de Anisong y J-music de Buenos Aires

Hasta la semana que viene!!

Saturday, May 19, 2012

Fandom Argentino: Mitos y Verdades - Introducción


Algunos nostálgicos suelen decir cosas como “todo tiempo pasado fue mejor”, si bien yo soy bastante nostálgico prefiero no aseverar declaraciones como esa, ya que aspirar a un futuro más brillante es la mejor forma de honrar esas raíces, en lugar de quedarse encerrado en una habitación rodeado por posters, comics y muñecos como única compañía y constante recuerdo de que alguna vez fuiste joven y despreocupado. En estos últimos años han surgido varios grupos de personas, generalmente chicos de entre 18 y 22 años con aires entre visionarios y revolucionarios, que claman por traer el llamado “cambio” al fandom local. No es que no crea en la juventud, de hecho trabajo desde hace años en un círculo donde lo que más empezó a abundar fueron los jóvenes, porque esto de que hayan chicos tan chicos en este ambiente es algo relativamente reciente, no siempre fue así. A lo que iba, no es que no crea en ellos, sino que los veo con una ciega ambición, donde lo único que quieren es hacerse de un nombre y lograr en menos de un año lo que a otra gente le llevó muchos años lograr.

No me malinterpreten, esto no es un descargo resentido, sino un pseudo-análisis acerca del ascenso y caída de una movida que surgió hace más de 20 años, donde cosas que ayer eran un sueño imposible, hoy son moneda corriente. Ya sea tener eventos con sectores apartados para videojuegos, tener artistas internacionales bastante seguido de la manos de varias empresas diferentes, que hayan mujeres y que varias de ellas incluso sean lindas, tener varias bandas under de chicos que hacen canciones de animé o covers de bandas japonesas, y por supuesto copar el Jardín Japonés porteño de otakus y cosplayers.

Pero esto no siempre fue así, hubo una época diferente, previa al video en formato digital, previa a la banda ancha, a las cosplayers hot, cuando los stands eran de exhibición y no una feria persa, donde el VHS copia de copia de copia pasada de mano en mano era la que iba, y esos videos se veían horrible, pero era así como el joven otaku se emocionaba siguiendo su serie favorita y guardaba cual trofeo su ítem de tan difícil adquisición. Con el tiempo, a mediados de los años 90’s, empezaron a haber (siempre siendo una rama nacida del árbol de la cultura comiquera Argentina, establecida con raíces fuertísimas desde hace muchos años) grupos de fanáticos de esos dibujitos que eran diferentes al resto que se veían en la televisión, esas de ojos grandes super expresivos, donde los personajes amaban, luchaban y morían dramáticamente. Estos dibujos animados eran así de especiales, y la mayoría de las veces dejaban alguna enseñanza o trataba sobre valores humanos admirables. No los estoy jodiendo, esto es verdad, pasó y sigue existiendo, solo que del mismo modo que muchas otras cosas, fue omnubilado por el humo de la superficialidad y frivolidad que nos trajo el internet con banda ancha (donde todo está disponible) y la evolución de las cada vez más exitosas redes sociales.

A partir del sábado que viene empezaré a publicar a modo de capítulos lo que fue la evolución y crecimiento de ésta movida en nuestro querido país, desde la llegada del anime a la televisión local en pleno proceso de reorganización nacional, los años 80’s y 90’s, como afectó la llegada de internet y de locales especializados, los primeros “eventos”, cuando aún no se llamaban así, sino fiestas, proyecciones o expos.

De más está decir que son libres de dejar sus comentarios, y si son anécdotas mejor aún!!


Nos vemos el sábado con el primer capítulo: "Genesis: el origen de una subcultura urbana"

Monday, April 02, 2012

Pegasus Fantasy, el opening que nunca pasa de moda.

En 1985 la banda japonesa de hard rock Make-up fue la encargada de realizar las canciones de apertura y cierre de Saint Seiya (Los caballeros del Zodíaco), pese a que en Japón la serie nunca fue un boom comercial ni fue consumida de forma tan masiva como lo fue en el resto del mundo, su opening siempre estuvo considerado de los mejorcitos, mientras para muchos otakus occidentales es el mejor de todos por lejos y se lo considera un himno.

Dato: El tema utilizado para el opening es una versión rockera del tema principal de la banda sonora, el tema “Pegasus ryu sei ken”, compuesta por Seiji Yokohama, en base a este épico tema lleno de vientos y una orquesta bien cargada el grupo Make-up la reversionó estilo heavy metal ochentoso de forma magistral.

Aquí les dejo todas las versiones realizadas a través de los años de éste gran clásico del anisong, algunas más bonitas que otras, y por supuesto su más reciente versión interpretada por Shoko Nakagawa y el mismísimo Nobuo Yamada.

video Seiji Yokoyama - Pegasus Ryu Sei Ken

videoMake-up: Pegasus Fantasy 1986


videoMake-up - Pegasus Fantasy 1996 version

videoMake-up - Pegasus Fantasy 2009 version

videoMake-up - Pegasus Fantasy 2010 version

videoShoko Nakagawa con Make-up - Pegasus Fantasy 2012 (Opening Omega)

Cuál es tu versión preferida?

Sunday, April 01, 2012

Saint Seiya Ω - volvió la magia!

23 años después de la última aparición de Saint Seiya en la TV japonesa, TOEI animation pone toda la carne al asador y apuesta todo a ésta nueva versión televisiva de un clásico mundial que conoció un potente revival en estos últimos años en que salieron nuevos mangas y una gran producción de ovas (de la mano del estudio TMS) del manga The Lost Canvas que aún sigue curso normal por tres temporadas más. TOEI animation enfrenta entonces dos fuertes desafíos, el primero podemos decir que es competir en cuanto a producir algo de calidad que compita o esté al nivel de Lost Canvas y el segundo desafió (a mi parecer el más importante) es reivindicarse del pésimo trabajo realizado en la saga de Hades capítulos Infierno y Elíseos, esa entrega final que terminaba de adaptar el manga original de los años 80’s llegó en formato ova y sólo generó decepción y protestas de miles de fans alrededor del mundo debido a su pobre animación, pésima dirección artística y el bochornoso hecho de haber cambiado los seiyuus (actores de doblaje) de todos los personajes. Cuando se anunció esta nueva producción, la grata noticia que sumó muchos puntos fue el anuncio del regreso del célebre actor Toru Furuya para interpretar la voz de Seiya, dicho sea de paso que allá este actor es un prócer del anime ya que dio su voz para personajes archi conocidos como Tuxedo Mask en Sailor Moon, Yamcha en Dragon Ball, Amuro Ray en Gundam, Kyosuke en KOR, Takashi en Super Laser, y cientos más de obras famosas en su país.

La serie abre con un tributo a la serie original y a su diseñador, el genio y fallecido Shingo Araki, q
uien murió el año pasado. Tal vez
de haber estado con vida hubiera sido quien se encargase de ésta nueva tarea, sin embargo debo decir que los nuevos diseños a cargo de Yoshihiko Umakoshi (el de Casshern Sins, serie que salió al mismo tiempo que la saga Inferno y tenía a Toru Furuya haciendo la voz de Casshern, a muchos nos recordó más a Saint Seiya que la propia saga Inferno) le hacen más que honor, lo voy a detallar más adelante.

El comienzo del episodio nos presenta a Athena en el Santuario, con un bebé que es el protagonista de ésta nueva serie, en ese momento aparece el Dios Ares (Marte) que intenta matarlos pero justo aparece Seiya de Sagitario y frustra sus planes con sus meteoros de pegaso. Volver a escuchar después de años a Furuya gritando "Pegasus ryu sei ken" no tiene precio...

Los flamantes nuevos Caballeros de Bronce, y lo curioso de ahora es que las armaduras no vienen en esas cajas enormes para colgarte tipo mochila de dos toneladas, sino que son prácticos colgantes. Los cosplayers, agradecidos...




Podemos apreciar paralelismos con la serie original de 1986, el más claro ejemplo es el de Kôga, el personaje principal que aspira a ser Caballero, quien es entrenado por Shaina, quien le explica la importancia de sentir la explosión de nuestro Cosmo interior y que todos tenemos una parte de la explosión del big bang dentro nuestro, incluso usa el mismo ejemplo de cómo destruir los átomos de un objeto usando una roca, estos son claros guiños a los viejos conocedores del primer episodio de la serie clásica, y los homenajes siguen...


Cuando Ares, el Dios de la guerra aparece, amenaza a Athena y faja a Shaina, es ahí cuando Kôga despierta su cosmo y la armadura sagrada de Pegaso se posa sobre su cuerpo, la secuencia es impactante y épica.




La figura de Seiya se le aparece a Kôga como una especie de Obi Wan Kenobi para decirle: "Enciende tu cosmo, Kôga". En estas imágenes finales, que son de la arremetida de Kôga contra Ares podemos apreciar la tamaña influencia de Shingo Araki en los nuevos diseños, ésto es más que nada para todos aquellos que desde que se anunció la serie se vienen quejando de que seguro va a ser un desastre por los diseños nuevos, y que seguro va a ser una versión Yu-gi-oh de los caballeros, y bla bla bla... éste primer episodio calla todos esos prejuicios haciéndonos acordar a la serie clásica durante gran parte del capítulo y una cualidad para nada menor es la calidad de los dibujos, durante las secuencias de animación vemos los trazos del dibujante, bien al estilo Umakoshi, algo que nos acerca más a la obra artesanal del tipo con un lápiz haciendo arte, también posee fondos pintados a mano. En una época donde todos los animes parecen openings de videojuegos, todos vectorizados y con coloreados horribles, tenemos ésta joya realizada al más puro estilo vieja escuela pero lo más moderno posible, si sos un verdadero fan no podés dejar de verla de la misma forma que estoy seguro de que ésta serie será responsable de que toda una nueva generación conozca esta saga maravillosa llena de sueños de esperanza, valores humanos, y por supuesto mitos milenarios y tomas de cielos estrellados.

Pueden descargar el torrent desde aquí: http://www.nyaa.eu/?page=torrentinfo&tid=301005

Y vos... alguna vez sentiste arder el cosmo de tu interior?

Wednesday, March 21, 2012

Ishiguro Noburo 1938 - 2012

Nota: Éste artículo fue escrito y publicado originalmente en la revista Komikku número 8 publicada en kioskos y comiquerías en septiembre de 2010.

¿Por qué Ishiguro Noburo son dos palabras muy pesadas a la hora de hablar de anime? Cuando uno se pone a enumerar la lista de obras creadas y dirigidas por este gran director puede ir haciéndose una idea de por qué, títulos como Super Dimensional Fortress Macross, Astroboy, Megazone o Legend of the Galactic Heroes ya nos dan la pauta de con quién estamos lidiando.













Nacido en el año 1938 en la capitalina Tokio, durante su temprana juventud dedicaba sus días a tocar música estilo hawaiana, pero una vez ingresado en la universidad empezó a dibujar mangas que se distribuían ahí mismo. y no sería sino hasta mediados de la década del setenta cuando se involucraría en la industria del anime. Trabajó como animador y fondista en varias obras, y realizó los storyboards de la adaptación animada de 1976 de “La pequeña Lulú”, la mundialmente famosa niña comediante de stand-up creada por el fallecido Irving Tripp.

En 1974 comienza el proyecto Uchuu Senkan Yamato, un clásico de culto universal, conocido en esta parte del planeta como “Viaje a la última galaxia”, y cuyo largometraje fue editado en nuestro país bajo el desorientador título de “Las nuevas aventuras del Capitán Futuro”, por suerte la portada de la película nos mostraba claramente una imagen de Yamato. Esta serie fue la primera en la que Ishiguro Noburo participaba como director del staff, él mismo ha dicho varias veces que tiene muy buenos recuerdos de haber trabajado con el autor de la obra, el mismísimo Leiji Matsumoto, quien aparece como creador pero en realidad nunca hubo un manga antes de salir el anime, después si se han hecho. Ishiguro Dirigió las tres temporadas televisivas de Yamato, y a fines del año pasado nos alegró a todos anunciando él mismo en una Otakon, sobre la producción con actores que se estrena éste diciembre en Japón, al día de hoy sólo tenemos un trailer más que prometedor.


Astroboy (1980): La segunda serie televisiva de Tetsuwan Atom es considerada por sus fanáticos como la mejor de las adaptaciones animadas del pequeño pinocho futurista, algunos de los episodios fueron dirigidos por el mismo Osamu Tezuka, y algunos por su legendario tocayo Osamu Dezaki (quien llevaría a la gloria a Black Jack en los 90’s). Esta serie es una remake a color de la que fue la primer serie de 1963 y a su vez adaptó otras historias del manga que no habían sido adaptadas, como también otras nuevas inventadas. Al igual que en muchas adaptaciones animadas de Tezuka, en esta serie abundan los cross-overs con otras obras del Dios del manga, caso el episodio titulado “La máquina del tiempo”, donde el protagonista de la saga final de Phoenix llega con su máquina del tiempo para buscar a Astro y a Black Jack para defender un reino del pasado de un malvado hechicero y para curar al príncipe Zafiro de una enfermedad que lo tiene al borde de la muerte; el episodio es muy divertido, vemos a Uran y Pinoko compartiendo una aventura juntas, a Black Jack descubriendo la verdad sobre que el llamado príncipe Zafiro es en realidad una princesa, y por supuesto a Astro peleando contra el hechicero maligno y sus monstruos. Todos los episodios son autoconclusivos, excepto por los que adaptan el tomo 3 del manga, la historia llamada “El robot más poderoso del mundo” y conocida como la historia más grosa del pequeño gran héroe; estos dos episodios animados están adaptados a la perfección, con mínimas diferencias, como el hecho de que a Astro nunca se le aumente la fuerza a un millón de caballos por el Dr. Tenma que brilla por su ausencia aquí; fuera de eso, los diseños y el coloreado están geniales, la animación no parece de 1980, es muy fluida para su época, y la crueldad de las muertes de cada uno de los robots más fuertes del mundo a manos del poderoso Plutón no escatiman en frialdad y golpes bajos. Esta serie fue transmitida por canal 13 desde mediados de los 80’s hasta principios de los 90’s.

Macross (1982): Para principios de 1982, Ishiguro Noburo entra como Director en un proyecto más que ambicioso que venía de la mano de un grupo de frikis que se rompieron el orto para fundar su propio estudio, así nacía el Studio Nue, y luego de haber determinado el que sería un poderoso dream-team compuesto a la cabeza por Shôji Kawamori como diseñador de mechas, a Haruhiko Mikimoto como diseñador de personajes, y a Ishiguro Noburo como director; nacía Macross, y nada volvería a ser igual. La serie rebosa de guiños para los seguidores de Gundam, Harlock y Yamato, obras de las que los mismos autores eran fanáticos. Macross marcó un antes y un después en la industria del anime, y consagró a Ishiguro Noburo como un gran director del género Space Opera, título que ya se había ganado luego de Yamato, pero fue tan grosa la forma en la que reinventó el género en vez de meramente reciclar lo posicionó aún más alto en el panteón de los grandes realizadores de este hermoso género. Macross es una serie ambientada en un futuro no muy lejano, bueno ahora sería un pasado no muy lejano; resulta que en el año 1999 cayó sobre una isla del pacífico sur un objeto gigante proveniente del espacio exterior, en esos días, la tierra estaba sumida en una guerra global y la caída del objeto sirvió como razón para cesar el fuego y estudiar al misterioso visitante. El objeto era nada menos que una gigantesca nave espacial, llena con una tecnología a años luz de la nuestra. Al cabo de diez años, los humanos no sólo habían restaurado y adaptado esta nave para el humano, sino que asimilaron toda su tecnología y la aplicaron a toda la industria armamentística. Todo eran festejos y alegrías en el décimo aniversario de la caída del objeto, cuando de repente llegan a la tierra los Zentraedi, una raza de gigantes con algo así como mil naves así de grandes, buscando su nave perdida.

Así comienza esta historia de una gran guerra. Pero aparte, en todo este contexto de guerra intergaláctica hay historias muy humanas, triángulos amorosos, amistades hasta la muerte, amor interracial y finalmente alcanzar la comprensión con los extraterrestres. Macross marcó su paso a fuego con sus todos sus personajes, hoy en día íconos de la cultura del anime universal. En 1985, un joven emprendedor norteamericano llamado Carl Macek, decidió comprar los derechos para editar esta gran serie en las Américas. Macek, seguidor de la cultura del manga y el anime, fue el gran responsable de que en América haya explotado masivamente la movida del anime a fines de los 80’s editando material grosísimo con su video editora “Streamline Pictures”. Macek tenía intenciones de vender la serie Macross para pasarla en televisión, pero en ésa época en Estados Unidos era muy chocante ver en dibujos animados ideas de morir y no resucitar como el coyote en cada episodio, sin héroes arregladitos que ni siquiera se despeinaban, como la liga de la justicia que te ajusticiaba con moralejas más pelotudas que las de He-man y Bravestar juntos, series que estaban buenas pero no tenían el punch que tenía una serie dramática como Macross. Finalmente, tras intentar lanzarla en video y fracasar, a Macek no le quedó otra que prácticamente destrozar Macross al cambiarle bastante el contexto, suavizar contenidos y unirla con dos series japonesas más que no tenían nada que ver entre sí. Así y todo, el proyecto final, conocido en el resto del planeta como Robotech, dejó a Macross como su primera temporada, y posiblemente sea la más añorada por muchos de sus fanáticos (más no por quien escribe). Por suerte, años más tarde, luego del éxito de Robotech, Macek pudo editar en video junto con muchas obras clásicas de anime, una Perfect Collection de Robotech que le hacía honor al título de la colección, ya que te venían dos episodios de Robotech y al terminar empezab
an los dos episodios originales en japonés subtitulado, con esto Macek no sólo reivindicó la obra, sino que incursionó en la edición de animé subtitulado. De esta forma pudimos escuchar las canciones originales en japonés de Minmay, el poderoso opening y el más que nostálgico ending de Macross, porque son ambas características principales de esta serie, el poder y la nostalgia, potenciada por los toques de ritmos y sonidos hawaianos en la banda sonora influída por el mismo Ishiguro, en canciones como Sunset Beach o el mismo ending, Runner.

En 1984, con una fortísima campaña comercial, se estrena en los cines de Japón la que es uno de los mejores largometrajes cinematográficos que puedan catalogarse como animé, “Macross: Ai oboeteimasuka?” (¿Recuerdas el amor?). Con esta película Ishiguro Noburo nos muestra que no sólo en series de TV la tenía clara, sino que a la hora de hacer una película para cine puede hacernos reír o llorar más aún. La película de Macross es aún al día de hoy un tótem infaltable en la colección de todo otaku que se precie de serlo, si al ver esa película no se te pone la piel de gallina y te emocionás, retirate del anime, simplemente no es lo tuyo. A modo de remake de la serie, en dos horas, con una animación y banda sonora increíbles, esta película es un torbellino de emociones, pasión, romance, acción bélica acompañado de una música maravillosa. ¿Te hacés llamar otaku y todavía ni la viste? Corré! Eso sólo te digo. Y para todos aquellos que quieran incursionar en el mundo de la animación japonesa, es una excelente forma de comenzar a conocerlo. En Argentina se editó a fines de los 80’s gracias a la gente de VideoStar, titulada como Macross: La ciudad robot, la película viene doblada al español de España pero las canciones están todas en japonés, la calidad de la edición es buena en cuanto a la imagen y el sonido mono, pero la traducción del doblaje tiene bastantes errores..

En 1985, sólo un año más tarde del estreno y el éxito arrollador de la peli de Macross, Ishiguro Noburo, junto a compañeros del staff de Nue, Tatsunoko, y el estudio AIC, incursiona en el muy reciente mercado de los Ovas, aquellas obras que salen directo en video sin pasar por cines ni por TV.


Megazone 23, de 1985, era un ambicioso proyecto para televisión que terminó en las bateas del videoclub, éste Ova es un clásico principalmente por haber sido producido por un grupo de gente renombrada de la industria. Habían tres diseñadores de personajes, los masculinos fueron diseñados por Toshihiro Hirano (Ninja Robots, Dangaioh), los femeninos por Narumi Kakinouchi (Vampire Princess Miyu), y el diseño de EVE, la famosa cantante virtual estuvo a cargo de Haruhiko Mikimoto (Macross, Gundam). Megazone 23 terminó siendo una trilogía de películas en video, Ishiguro Noburo sólo dirigió la primera, la más añorada por los fans. Lejos de desmerecer las otras dos partes, será simplemente porque los diseños y la estética de la parte uno son los más ochentosos de la saga. Esta película es altamente recomendable, más que nada para que vean que Matrix no sólo no inventó nada, sino que prácticamente robó mucho de esta película (y la estética del Ghost in the Shell de Oshii).

La historia empieza con un veinteañero empleaducho de McDonnald’s fanático de las motos, a quien de un amigo infiltrado en el ejército, le llega una Moto re zarpada que se convierte en robot y lo lleva a una super computadora subterránea, donde también encuentra una ciudad idéntica a la de la superficie pero toda abandonada. Ahí descubre la terrible verdad de que eso no es Tokio en los 80’s, sino que es una nave espacial gigante llamada Megazone 23, la número 23 de una serie de ciudades enviadas al espacio hasta que la Tierra se recuperase de la altísima contaminación del hombre que la volvió inhabitable. La banda sonora está muy buena y las canciones de EVE son una mejor que la otra a lo largo de toda la trilogía.

La primer película se pudo ver en cines de América reeditada como Robotech: La película. Para evitar el final abierto con el que termina, Carl Macek le encargó al mismo staff del Ova que produzcan diez minutos de animación para el final y darle otro giro. La película de Robotech fue un fracaso rotundo en Estados Unidos y en muchos lugares donde se estrenó ni siquiera salió en video después; por suerte Argentina es una excepción y gozamos de nuestra propia edición en VHS de Robotech: La película, incluso doblada aquí mismo en los estudios Video Record, con el mismo narrador de Superman II y todo, además tuvimos el honor de tener en las disquerías la banda sonora. A diferencia de casos como los de la película de Transformers de 1986, dirigida por Shigeyasu Yamauchi pero vendida como dirigida por chuan chin, un chino californiano cualquiera, la película de Robotech dejó en sus créditos a todo el staff original, la película por más que tiene un final diferente y esté editada diferente a la Megazone original, sigue figurando Ishiguro Noburo como director, incluso como adaptador de la obra para ser convertida en Robotech, esto lo aclaro porque hay mucho “purista” dando vueltas que tiran mierda a Robotech y a Carl Macek, quien hizo lo más que pudo por respetar al máximo a la obra original pese a las alteraciones, para poder lograr algo dentro de un mercado como lo era el de la animación norteamericana.

En Legend of the Galactic Heroes, de 1988, ocurre algo parecido, hubo una primera intención de lanzarla directo como serie de TV, pero en esos años todavía no era considerado rentable hacer series animadas basadas en novelas, por más exitosas que éstas fueren. De modo que ésta serie es al día de hoy una de las más largas que se han lanzado en el formato Ova, con un total de 110 episodios divididos en cuatro temporadas, después de terminar cada una de ellas se iban transmitiendo en televisión. También se produjo una película para cines a modo de precuela y dos miniseries de Ovas denominados Gaiden (historias paralelas). La historia cuenta la eterna batalla entre el Imperio Galáctico y la Alianza de planetas libres, al mejor estilo Star Wars pero con más diálogos que machaca, esta serie se destaca por las relaciones entre personajes y como más bien un dramón dentro de un contexto de conflictos políticos universales atemporales, los valores de la lealtad y la libertad que tan recurrentes son en el género. Es muy extraño que esta serie, que es una obra de culto en Japón, respetadísima, sólo fue editada en Francia, Alemania, Arabia, China y Korea, nunca en el resto de Europa ni América, cuando las óperas espaciales siempre son bien recibidas. El más raro sigue siendo el caso de Estados Unidos, porque hay muchísimas ediciones hechas por fanáticos tanto del anime, como del manga y las novelas.
También en 1988, se embarcó en un proyecto más bien para chicos, sobre un personaje que acá conocemos más que bien, estoy hablando nada menos que del Topo Gigio, el legendario ratoncito que tenía largas conversaciones con Berugo Carámbula y osan comparar con cierto pecho-frío de C.A.B.J. tuvo su versión dibujada por japoneses, e Ishiguro Noburo fue el director y además participó en la elaboración del guión.
En 2008, después de casi 13 años sabáticos, lanza una nueva ópera espacial llamada Tytania, que con sus modestos 26 episodios alcanzó cierto éxito pero ya vieron como es la cosa, hoy en día la ópera espacial no vende más, salvo para los que ya somos fans. Una vez más nos ambientamos en una era espacial regida por un Imperio Galáctico, pero resulta que aparece un enemigo tan fuerte y poderoso, que rezagados del Imperio deberán buscar refugio donde el ejército rebelde.
Nos quedan muchos títulos afuera, como Locke the Superman, o la más reciente Pattenrai!! ~Minami no Shima no Mizu Monogatari~ (una peícula histórico-biográfica). Pero a pesar de sus lapsos sin lanzar obras, sigue dando cátedra en la materia, acepta la tecnología de animación por CGI aunque con algo de reticencia, ya que la expresión que tiene el dibujo sobre el cel de animación es incomparable según él, por eso sigue pidiendo que los key frames se dibujen a mano, y le preocupa que cada vez haya menos dibujantes que sepan diseñar buenos mechas en papel y lápiz. Un maestro de la vieja escuela que cada vez que volvemos a ver su obra recordamos por qué nos gustaba tanto el animé.

Nota del 21 de marzo de 2012: Hoy todos recibimos la triste noticia del fallecimiento de éste gran artista, todos los verdaderos fans del anime alrededor del mundo lamentamos su pérdida y lo colocamos en el mismo panteón sagrado que Osamu Dezaki, Satoshi Kon, Tezuka, se nos fue otro grande, y quedamos cada día más a la merced de autores y productores de anime mediocre, yo me quedo con mis VHS viejos, gracias.

Tuesday, March 20, 2012

El Oro del Rhin, preludio a una saga épica



Finalmente después de muchos años de espera, tras un intento fallido de ir a verla en el teatro Colón en 2004, pude asistir a la presentación del prólogo a una de las sagas más importantes de la cultura universal: El anillo de los Nibelungos, y digo prólogo porque de eso se trata, no de un primer episodio sino de la antesala de otras tres entregas que saldrían posteriormente.
El Oro del Rhin es el nombre de la obra en cuestión, en la cual los tres nombres que más resaltan esta ocasión son tres: Alejo Pérez (director de orquesta), Marcelo Lombardero (dirección escénica) y Diego Siliano (diseño escenográfico).






Argumento:
La historia comienza en los confines del río Rhin, donde tres Ondinas (ninfas hijas del Río) custodian celosamente el oro, del cual si se llegase a forjar un anillo con él otorgaría a su portador de un poder inconmensurable, pero en caso de poseerlo deberá renunciar al amor. Estas palabras las oye un pequeño Nibelungo (raza mitológica de enano/gnomo) llamado Alberich, que luego de fallar en su intento de seducir a las ninfas le llama más la atención la idea de poseer el oro. De modo que lo roba y con él decide forjar el anillo de poder.

La escena que viene a continuación nos presenta en la morada de los Dioses, donde se los ve tan ociosos y relajados que denota ya un aburrimiento y desinterés por gobernar el mundo. Dos gigantes fueron encargados por Wotan (Odín) para construir su palacio, el Valhalla, y el precio que habían acordado era la joven y hermosa Freya, cuñada de Wotan. Pero Wotan se arrepiente de haber acordado eso y rompe el trato, en medio de la discusión con los gigantes, aparece Loge (Loki), el semidios del engaño, malicia y bromas pesadas, quien le habla a Wotan acerca del anillo de poder y del gran tesoro que posee un insignificante Nibelungo llamado Alberich, entonces reformula el trato con los gigantes, él les conseguiría el tesoro y el anillo y ellos desistirían de llevarse a Freya. Pero la tendrían como rehén hasta que el trato se lleve a cabo. Al irse Freya de la morada de los Dioses, éstos empiezan a envejecer aceleradamente ya que ella es la que cultiva las manzanas doradas que mantienen jóvenes y eternos a los Dioses. Entonces Wotan y Loge emprenden un viaje al mundo intraterreno de Nibelheim en busca de Alberich.

En el Nibelheim vemos a Mime, hermano de Alberich y herrero que forjó el anillo a su hermano, y a Alberich mismo ostentando su poder y sus esclavos juntando tesoros para él. Ahí llegan Wotan y Loge, quien mediante tramoyas y engaños logran capturar a Alberich para llevárselo con ellos.
De regreso a la morada de los Dioses, Wotan le quita el anillo a Alberich arrancándole el dedo y es omnubilado por su inmenso poder, que volvería a llevarlo a la cima de la gloria, pero en ese momento la vemos a Erin, la Diosa suprema que advierte a Wotan acerca de la maldición del anillo, que tiene un poder inmenso pero también llevará a la perdición a cualquiera que lo posea, siempre codiciado por todos pero nunca disfrutado por nadie (Tolkien, como robaste!!). De modo que entregan el tesoro y el anillo a los Gigantes, a lo que casi de inmediato, provocado por una codicia asesina, mata a su hermano y se lleva todo el tesoro y anillo.
Como cierre de la obra, el Dios Donner (Thor) abre camino entre las nubes dejando libre el acceso al Valhalla, la que será la morada definitiva de los Dioses, marcando así el inicio de una era de glorioso gobierno.





Mi crítica:
Del joven Alejo Pérez no puedo hacer más que sacarme el sombrero por la forma admirable que tuvo al dirigir una orquesta tan nutrida (bien al estilo Wagenriano) que tenía hasta yunques en el fondo de la fosa (que fue modificada recientemente para que puedan realizarse estas obras), excelente su dirección tanto de la orquesta como de los cantantes a quienes marcaba genialmente con su mano izquierda durante dos horas y media ininterrumpidas, osea sin ningún intervalo, aplausos de pie para él.

Las voces una mejor que la otra, se nota que son todos cantantes consagrados e incluso varios de ellos estables de óperas europeas, excelentes todos cantando en un duro y sofisticado alemán bien marcado.

Ahora vienen los garrotazos, que son nada menos que para el diseñador escénico y la vestuarista, una chica llamada Luciana Gutman se llevan las críticas negativas. Estos (evidentemente jóvenes que intentan modernizar lo clásico) convirtieron el oro del Rhin en un basural al pie de fábricas que no paran de contaminar el río ni de exhalar humo por sus chimeneas. La morada de los Dioses es un lounge donde los Dioses toman martinis en una barra, todo el cuadro es monocromático, todo blanco, la escenografía, la ropa, hasta los pelos de los personajes, muy molesto. Incluso Loge aparece saliendo de un ascensor hablando por celular, chocante rozando lo molesto.
El martillo de Donner (Thor) es una Magnum, el anillo de poder es una cosa aparatosa con una luz led que parpadea, en el Nibelheim, la casa de Mime es una casita rodante y los personajes sacan latas de cerveza de una conservadora de picnic y se ponen a tomarlas, y podría seguir, la verdad ese punto negativo fue muy marcado, tanto yo como los que estaban conmigo fuimos shockeados por ese detalle nada menor.

No quiero quedar como un viejo choto que se pone en contra de modernizar las obras, es sólo que mucha de la mística mitológica que tiene una obra tan emblemática como es la Saga del anillo no puede convertirse en un simbolismo moderno con rascacielos y barrios pobres, es una historia épica de Dioses y gnomos, ninfas y gigantes, palacios e inframundos, y yo realmente esperaba ver un despliegue visual que estuviese a la altura de semejante orgía musical.

Sunday, March 11, 2012

Review del evento Jigoku Style 11-03-12, el primero de 2012:

Para abrir el ciclo 2012, Jigoku Style puso toda la carne en el asador y llevó a cabo un evento lleno de actividades, shows, concursos, torneos, stands, y claro, también mucha gente que asistió. Desde la mañana muy temprano había más de una cuadra de cola, y el predio se llenó muy rápidamente, lo que causó mucha frustración para aquellos que no pudieron entrar por no tener las entradas anticipadas o por haber llegado tarde. Estas personas piensan que la culpa de que ellos no pudieran entrar es de la organización del evento, y a todos ellos que opinan de ese modo desatinado, les comento que el evento sería desorganizado si permitieran entrar a todos sin importar los límites de capacidad, algo sumamente importante para la seguridad de los concurrentes. Hubo una muy fuerte campaña publicitaria durante meses y todo el verano, anunciando la visita de la genial Marisa de Lille. Es lógico que si no te tomaste la molestia de conseguir las anticipadas tenés que atenerte a correr la lotería de ir a la fila y ver si podés entrar o no, esto excede aboslutamente la responsabilidad de los organizadores, responsables únicamente de la convocatoria de un público que cada vez crece más y más en cuanto a número.
Adentro todo fue genial, los chicos de Marito Kids organizando los torneos de PES y de Mortal Kombat en el cual el ganador se llevó una Nintendo 3DS, hubo un videowall para el guitar hero, teles en 3D y las abundantes consolas de todas las marcas con free play todo el día. Muchísimos stands comerciales para satisfacer todo lo que el otaku busca comprar.
Alrededor de las 4 de la tarde, estuvo la presentación de S.A.N. (Sindicato anti normalidad), una propuesta artística diferente a todo lo que estamos acostumbrados en éste ambiente, al menos en el Argentino, lleno de canciones originales y con una imponente puesta en escena llena de cosplayers de primerísimo nivel realizando coreografías, varios cambios de vestuario, proyecciones, efectos y todas canciones con contenido friki/otaku/gamer. Lamentablemente, mucha “gente” no está preparada para ver o escuchar shows de ese nivel, y optaron por lo más fácil de hacer cuando uno es ignorante, que es caer en el prejuicio y criticar desde la ignorancia, pero no críticas inteligentes o constructivas, sino caer en el patético “puto” o abuchear, claro, por un lado es entendible porque los que gritaban esas cosas son personas en su mayoría que jamás fueron a ver una obra de teatro musical en su vida, o tampoco sintieron el calor del sexo opuesto en la intimidad, así que no tienen NADA de autoridad a la hora de dudar o burlarse de la sexualidad de un artista de verdad que deja todo en el escenario y monta un espectáculo de un nivel sobresaliente. A todos aquellos que bardearon, les recomendé que vayan a casa a escuchar a los wachiturros ya que entienden de arte lo que entienden de la vida, nada en absoluto FUCK YOU a todos esos, falsos otakus caretas, y lo que es peor, homofóbicos y prejuiciosos de mente cerrada.
Pese a la actitud estilo “viña del mar” de esa gente, el show fue increíble y a mí me encantó, como siempre me copó su onda, esta vez se fue al carajo en cuanto a producción, es evidente que se rompió el lomo para estar al nivel de ser un digno soporte de la artista maravillosa que se presentó a continuación.
Groovy!! Nanana nanara, nanana nanara, nanana nanara nanaaaaaaraaa… Así arrancó el show de Marisa de Lille, con el ending de Card Captor Sakura super coreado por todos los espectadores, Marisa nos subió a todos a una hermosa máquina del tiempo a los gloriosos años de Magic Kids, cuando veíamos Sailor Moon, Dragon Ball, Sakura (en cartoon network), Digimon, Slam Dunk y Dr. Slump, un clásico atrás de otro, y uno más emotivo que el otro, se veía en las primeras filas a chicas llorando de la emoción de poder escuchar esa voz tan memorable en vivo y en directo ahí delante de ellos y respirar su mismo aire al ritmo de esos hits hermosos. En el momento que fue el turno del ending de Dragon Ball, Marisa invitó al escenario a SAN, y algunos subnormales volvieron a ser… bueno, subnormales y propinaron insultos, a lo que Marisa misma los paró en seco diciéndoles que tienen que saber reconocer el trabajo de un artista de verdad y que no pueden tener esa actitud tan deplorable, perdónalos Marisa, no saben lo que dicen! El show se cerró con el clásico “Moonlight densetsu”, el opening de Sailor Moon, canción preciosa que todos los otakus de corazón guardamos profundamente en nuestra alma, del mismo modo que guardaremos este show de ayer que nos hizo emocionar profundamente. A la espera de una próxima visita prometida, hoy Marisa vuelve a Mexico esperamos que con el calor del corazón de más de mil quinientos argentinos que la ovacionaron.
Luego vino el concurso de cosplay, donde me llevé la gratísima sorpresa de ver un team de Capitán Harlock, mi anime favorito de la vida, con Eze Lía como Harlock, Romi Lía como Emeraldas y Ana Bertola (mi cosplayer favorita) haciendo de Kei Yuki, la tercera oficial al mando de la nave Arcadia. Creo que ganaron el tercer lugar aunque para mí merecían ganar el primer puesto, pero bueno, ellos son cosplayers que ya han sacado primeros puestos numerosas veces, así que tampoco es taaan injusto.
Se terminó una jornada larguísima, tremendamente calurosa y llena de sentimientos encontrados por todas partes!
En mi próxima entrada les detallaré sobre lo que fue el evento Daruma Extreme, en la ciudad de Rosario, que fue éste sábado pasado, el 10 de marzo, donde también se presentó Marisa.
Que la fuerza los acompañe, siempre!

Friday, March 09, 2012

Hoy desde Rosario:

Re inauguro este blog después de muchos años, aprovecho esta noche inspiradora lejos de casa para reabrir este sector de reflexiones y comentario.
En días como hoy, me siento super feliz por lo que hago y me siento muy afortunado, estoy de visita en una hermosa ciudad, claro que por motivos laborales pero no puedo evitar sentir satisfacción al hacerlo.
La cuestión es: Hoy es el Daruma de Rosario y tengo que madrugar, así que mañana haré un post más decente acerca y chusmeo todo!!

Que la fuerza los acompañe!